Clameur & autres textes de Hocine Tandjaoui, 108 édition, 2016.

Fiche de lecture établie par Mattéo Vernay (Université Lyon 2)

Clameur & autres textes, Hocine Tandjaoui, 108 édition

Ce texte est né, comme le précise l’auteur, d’une fin de repas où les convives se sont mis à chanter. Avec eux, Hocine Tandjaoui chantait également, et il lui a été demandé d’où venaient toutes ces mélodies qu’il connaissait. Il a répondu que c’était simplement les musiques de son enfance. De là est venue l’idée de fixer ces souvenirs par écrit.

Ce texte recèle, en effet, une véritable poétique de la musique, avec de nombreuses références, en passant de Nina Simone, à Dorothy Dandridge, Janis Joplin, Ella Fitzgerald, et bien d’autres… C’est autant de découvertes musicales que l’auteur nous offre en partage, tout en en évoquant son passé. Ces souvenirs se sont aimantés aux sons qui ont accompagné le quotidien de son enfance et aux passages marquants de la vie.

La narration est à la deuxième personne et le narrateur de Tandjaoui s’adresse à lui-même plus jeune, mais donne l’impression de s’adresser également au lecteur lorsqu’il se remémore des souvenirs de son enfance. Ainsi, il est difficile de classer cette œuvre dans une catégorie : est-ce un récit ? Ou une biographie ? un récit de voix, de chants et de sons… Une clameur.

Il est également possible d’y voir une double temporalité. Le narrateur connaît déjà le déroulement de sa vie jusqu’au moment de l’énonciation ; il est familier avec les sensations qu’il expérimentait lui-même plus jeune. Il se place alors dans une sorte d’omniscience dans son discours, comme s’il révélait à lui-même plus jeune tout ce qui l’attendait, les musiques qui allaient le marquer, les sons de sa ville qui resteront dans sa mémoire. L’auteur déroule sa vie passée, avec une analyse dans le présent, un recul, d’où provient un examen de ses tribulations et des chamboulements émotionnels qu’il a pu expérimenter.

En parallèle, Tandjaoui nous propose une analyse personnelle de la musique qu’il aura entendue durant ces années, comme telle chanson d’Edith Piaf et sa voix qu’il retranscrit en mots et en images poétiques.

« Avec cette phrase, dite d’une voix de fond de gorge de sacrifiée, tout est pardonné, tout est absous, la guerre, la misère, la faim, les tombereaux des victimes, les cireurs, les filles derrière les comptoirs, les soldats en rut, les bergers allemands, les putains, les tortionnaires, la douleurs et l’humiliation partout, tout est pardonné. »

Tout au long du recueil, nous avons une véritable poétique de la musique, et même du son. C’est en alliant l’univers sonore à l’univers littéraire que Tandjaoui nous propose ce texte original et sensible.

Le récit, on le devine, prend place en Algérie, lieu de naissance de l’auteur. Ce lieu bruit d’autres clameurs, de bombes et de balles, de fureur guerrière. Et il y a aussi les sons étouffés des sanglots, de la perte inconsolable de la mère…

Puis la musique, comme contrepoint à tout pathos, et comme consolation.

Amel et les fauves, rencontre avec le réalisateur Mehdi Hmili (27 avril au cinéma Gérard Philippe, Venissieux)

Compte rendu réalisé par Mattéo Verney

Amel et les fauves est un long métrage réalisé par Mehdi Hmili en 2021 (sortie en 2022). Il raconte l’histoire d’une mère et de son fils dans la Tunisie postrévolutionnaire. Amel travaille dans une usine et son patron la met en relation avec un individu pour que son fils, Moumen, puisse rejoindre le club de foot l’Espérance.

Cet homme profite de la situation pour obtenir des faveurs sexuelles sans le consentement d’Amel quand la police les surprend. C’est pourtant Amel seule qui est condamnée à la prison pour adultère et outrage à la pudeur.

Pendant ce temps, son fils Moumen se retrouve seul, abandonné par son père. Il perd ses derniers repères lorsqu’il doit quitter son club de foot suite à une bagarre, et il rejoint son dealer. Il fait alors partie d’un petit groupe de jeunes travaillant pour un homme, Djo. S’ensuivent des péripéties dans les clubs underground de Tunis, de la prostitution, de la consommation de drogues, et c’est autant de sujets tabous qui sont abordés dans ce long métrage.

Après sa sortie de prison, Amel reprend le travail et cherche à retrouver son fils.

Ce film présente un travail remarquable non seulement sur le plan du récit, de l’évolution des personnages et de l’intensité dramatique, mais il aborde également des thématiques qui restent peu explorées dans le cinéma du Maghreb comme la consommation de drogues, la prostitution des jeunes, et une société qui ferme les yeux sur de telles dérives. Il dénonce également la manière dont sont traitées les femmes : le policier ne croit pas Amel lorsqu’elle dénonce son agresseur, son propre frère veut la forcer à rester dans la maison familiale une fois qu’elle est sortie de prison sous prétexte qu’elle aurait déshonoré la famille…

La réalisation propose des plans rapprochés qui retranscrivent l’intensité des scènes, mais également une élaboration de la colorimétrie intéressante et de belles vues sur les paysages. De manière générale, le travail de la caméra et du montage nous happe dans cette histoire et rend toute l’intensité des scènes avec beaucoup de justesse (le jeu d’acteur étant tout aussi excellent : avec dans le rôle d’Amel, Afef Ben Mahmoud, dans le rôle de Moumen, Iheb Bouyahia. 

Après la projection du film, nous avons eu la chance de pouvoir poser des questions au réalisateur : Mehdi Hmili. Interrogé sur la genèse du film, celui-ci révèle qu’il s’est inspiré d’une histoire vécue et d’une volonté de “raconter cette histoire qui est la mienne, celle de ma mère”, explique-t-il. Il dit vouloir “ se revoir lui-même et sa mère, pardonner à la société, à ceux qui [lui] ont fait du mal”.

C’est un film qui est voulu “film coup de poing, bouleversant, violent”. Mais j’ai également compris que la réappropriation de ces scènes qui représentent sa jeunesse offrait un certain contrôle et permettaient à M. Hmili d’accéder à une forme de résilience.

L’écriture des personnages

Les personnages sont inspirés de vraies personnalités, ils sont tirés des expériences du réalisateur avec ces différentes personnes qu’il avait croisées au cours de cette partie de sa vie.

Il ne voulait pas être dans le “misérabilisme”, et Mehdi Hmili remercie également sa monteuse, car il fallait savoir “quand couper” certaines scènes.

Par ailleurs, le film devait durer plus de 4heures, mais pour pouvoir le passer en salle, il fallait couper et choisir, enlever des séquences. En tout, le film représente un travail de 5 ans pour sa production.

Les acteurs et actrices avaient conscience que le réalisateur partageait quelque chose de personnel, un peu de soi, et cela les avait encouragés d’autant plus à s’investir complètement dans les rôles et à explorer, à plonger dans leur personnage. Ce qui nous amène à la question suivante.

La scène la plus dure à tourner (spoilers)

Lorsque Moumen prend de la drogue. L’acteur, Iheb Bouyahia, a insisté pour se piquer avec l’aiguille pour de vrai (il n’y avait bien sûr que des vitamines). Tout s’est fait sous le contrôle d’un médecin, mais M. Hmili était tout de même inquiet.

Le moment où Amel regarde la caméra avant de retourner dans une voiture où un homme l’attend pour lui donner des informations sur son fils, mais uniquement en échange de faveurs sexuelles. Cette scène brise le quatrième mur, et même si le réalisateur avait peur que cela sorte les spectateurs de l’histoire, le public semblait touché par cette scène, où Amel nous regarde. Petite anecdote : Mehdi Hmili, lors de cette scène, n’avait justement pas prévu que l’actrice qui interprète Amel, Afef Ben Mahmoud, regarde la caméra ainsi. Il ne lui a suffi que d’un signe pour qu’elle comprenne, et réalise ce moment fort du film. On constate alors la cruauté, l’égoïsme, le manque d’empathie de ces hommes qui forment une société hostile aux femmes. Après avoir vécu une expérience similaire, Amel est confrontée encore une fois à un homme qui lui demande des faveurs sexuelles, pour obtenir des informations sur son fils, un dilemme cruel qui ne devrait pas exister.

Date de sortie et réception

Le film est sorti l’année dernière, en 2022, en Tunisie, il a rempli les salles, selon le producteur, car il proposait quelque chose de “plus urbain, plus underground”. C’est une aventure qui est effectivement violente, mais parce qu’elle retranscrit une réalité qui l’est autant. Cette vérité ne semble pas être souvent représentée au cinéma, et c’est ce qui a pu attirer l’audience, qui était composée en majorité de femmes et de jeunes, nous révèle M. Hmili.

Paysage politique

Le film se déroule après la révolution (de 2011), il y a par ailleurs l’histoire d’un ancien policier qui travaillait sous le régime de Ben Ali, qui essaie en quelque sorte de se racheter, en aidant Amel.

En fait, pendant 4 semaines, entre décembre 2010 et janvier 2011, des manifestations ont eu lieu en Tunisie pour destituer le président de la République Tunisienne Zine el-Abidine Ben Ali, qui occupait la fonction depuis 1987. Elle est la conséquence d’une colère accumulée du peuple. De profondes inégalités sociales, des régions favorisées pour le développement et d’autres délaissées, font que la classe du prolétariat se soulève face à ces injustices. A ces facteurs s’ajoutent le sentiment d’étouffement éprouvé par la jeunesse, qui rejoint le mouvement. En 2011, la présidence de Ben Ali est effectivement renversée, et à la suite du gouvernement provisoire, c’est Hamadi Jebali qui est élu chef du gouvernement.

Conclusion

Ainsi, Mehdi Hmili s’attaque à la représentation de la violence sociale sous ses différentes formes : violence de genre, violence de classe, violence du pouvoir arbitraire. Le film montre bien comment la société autorise ces suites d’événements qui conduisent à de telles dérives et à une telle violence. On assiste aussi à la manière dont la société fabrique des prédateurs, humilie les femmes.

Ce film permet au réalisateur de “réhabiliter” sa mère, de se réconcilier avec sa jeunesse. “La tragédie a libéré ma famille” : devenir metteur en scène a permis au réalisateur de “dire son expérience à soi”. Certaines scènes lui ont demandé beaucoup de maturité et de courage, pour ne pas s’effondrer en tournant des scènes qui rappellent des souvenirs douloureux, attachés à des expériences personnelles. C’était “une forme de catharsis”.

A la fin du film, il y a de moins en moins de paroles, tout a été vécu, tout a été dit. Le final se déroule dans le silence, et Mehdi Hmili sait qu’après le noir de l’écran, les personnages continuent à vivre dans la mémoire des spectateur.ices.

Deux autres films maghrébins ont abordé, dans des styles différents, le même sujet, selon Taher Meftah, responsable du Maghreb des films: “le rejet et l’errance des mères avec leur fils unique dans une société hostile aux femmes et aux déracinés sans repères”. Il serait dès lors intéressant de voir quels modèles de représentations et de résilience sont proposés à travers la production cinématographique de chacun de ces trois réalisateurs:

Les damnés ne pleurent pas , film marocain de Fyzal Boulifa 2022.

Amel et les fauves , film tunisien de Mehdi Hmili 2021 sorti en 2022.

La vie d’après , film Algérien de Anis Jaad 2022.

Bibliographie

Sur la Révolution tunisienne: https://fr.wikipedia.org/wiki/R%C3%A9volution_tunisienne

https://fr.wikipedia.org/wiki/%C3%89lections_constituantes_tunisiennes_de_2011#R%C3%A9sultats

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